10 libros de fotografía profesional 2017

Hoy ofrecemos un paseo de la mano de 10 libros de fotografía profesional de reciente o próxima publicación que, a través de distintos enfoques y temáticas, abarcan las tendencias y necesidades del panorama actual para el fotógrafo profesional, el retocador y el diseñador de marcas y e-commerce. Libros para admirar, mirar y rastrear apoyos e ideas para la fotografía comercial de catálogo, comercio y modelos.

1. Peter Lindbergh: A Different Vision on Fashion Photography, por Thierry-Maxime Loriot (editorial Taschen)

La editorial de libros visuales por excelencia ofrece un recorrido completo y honroso por la obra del alemán Peter Lindberg, fotógrafo que revolucionase la fotografía de moda con su cubierta para la icónica revista Vogue británica de 1990, y que marcó el comienzo de la era de las supermodelos. Coincidiendo con una retrospectiva organizada en Rotterdam (hasta febrero de 2017), el generoso tomo compila más de 400 imágenes, retratos y escenas, que revelan el papel primordial de la mujer en varias ocupaciones artísticas o posando para el retratista. Una inspiración de lujo de parte de uno de los mayores referentes mundiales.

 2. Family Photography Now, por VV.AA. (editorial Thames & Hudson)

La cámara ha pasado a ocupar un lugar fijo en la vida familiar, como legitimación de su presente frente a los demás y como archivo de memorias. El fotógrafo, en muchas ocasiones, necesita replicar ese efecto de aura privada en su trabajo comercial, intentando que los retratos de grupo se manejen entre ese terreno de lo real y de lo inspirador. Para este volumen, se ha contado con las creaciones de varios fotógrafos a fin de retratar distintos modelos familiares en escenarios y escenas diversas. Toda una galería de alternativas para el retrato de conjunto que en fotografía comercial necesita reproducir con modelos esa atmósfera de calidez, extrañeza, cercanía y diversidad de modelos de familia contemporánea.

3. People of London, por Peter Zelewski (editorial Hoxton Mini Press)

Desde The Sartorialist, la fotografía callejera, que captura a individuos reales de manera más o menos improvisada, ha marcado una corriente de creación fotográfica y también la forma en que la moda se vende al usuario, integrando cada vez más los productos y modelos en escenarios de tendencia, urbanos, cotidianos y reconocibles. Sean más o menos cercanos y accesibles los estilos que muestran esta clase de fotografías, libros como el de Zelewski consiguen resumir la esencia de un estado actual de diversos grupos de consumo, sus gustos y sus preferencias de representación. Las limitaciones demográficas no esconden que esto es, en el fondo, un retrato del objeto y del consumo antes que del tejido social, una bella fantasía que Zelewski trasladó primero a la National Portrait Gallery de Londres y ahora a páginas de papel, donde se halla un recorrido esencial por las gentes y las estéticas de la capital de referencia para la fotografía de moda. 

 4. The History of Sportswear: Fashion from Chanel to Wang, por Christian Blanken (editorial Bloomsbury)

La fotografía de ropa deportiva puede parecer en un primer vistazo menos interesante que el trabajo aplicado a otras áreas de la moda. Sin embargo, la Historia de esta rama fotográfica revela que la funcionalidad no está reñida con la creatividad, y que prendas normalmente consideradas simples e incluso feas pueden encerrar la misma belleza y atractivo que otras piezas de vestir. A través de un recorrido por grandes marcas, la inspiración se encuentra también en las pasarelas. Las formas de extraer colorido e imágenes llamativas a la ropa de deporte resultarán útiles para e-commerce y marcas que deseen desprenderse del estigma que pesa sobre esta clase de accesorios y prenda.

 5. Brumby, por Nick Leary (editorial Thames & Hudson)

Es habitual que un fotógrafo de moda y celebridades desvele sus horas de trabajo junto a estrellas de ego volátil, y que el estudio no se centre tanto en la técnica fotográfica como en el diario de tintes sensacionalistas. El fotógrafo australiano Nick Leary ha optado por todo lo contrario: su libro no trata de su trabajo habitual, la fotografía de moda, sino que contiene una colección de retratos sobre su Australia natal que puede desvelar los trasvases entre ambos estilos. ¿Qué puede aportar el estilo de fotografía de moda a la fotografía artística, y a la inversa?

6. Capture Your Style: Transform Your Instagram Images, Showcase Your Life, and Build the Ultimate Platform, por Aimee Song (editorial Abrams)

La red social de fotografía Instagram no se está convirtiendo en una herramienta indispensable para el e-commerce únicamente por las imágenes shoppables, sino por la influencia que marca en los patrones de consumo. Aprender cuáles son las estéticas favoritas de la audiencia y qué estilo fotográfico causa una reacción positiva entre los consumidores puede suponer una valiosísima fuente información a la hora de presentar los productos y las fotografías de catálogo de una forma u otra Aimee Song es una joven pero veterana creadora de Instagram, con más de 3 millones de seguidores en su cuenta, y la fama le ha valido un prólogo de la diseñadora Diane von Fürstenberg y un conocimiento exhaustivo de qué secretos esconde la fotografía de moda, viajes, comida y decoración. El libro se orienta al usuario que desee construir su propia carrera en Instagram, pero a su vez supone una gran inspiración para desentrañar los trucos del estilo callejero y el gusto visual de las audiencias más jóvenes.

7.Unveiled: Wedding Photography Secrets from a World-Renowned Pro, por Andy Marcus (editorial Amherst Media)

Porque la fotografía de boda no parece estar interesada en renunciar a su reinado en el sector fotográfico, no puede faltar un volumen que diseccione las últimas tendencias, en especial si es de la mano de un reputado fotógrafo que ha conseguido ser invitado a las bodas de estrellas de Hollywood. Marcus comparte sus trucos para sorprender en un terreno que requiere de unas enseñas comunes y a la vez ser original, la manera de combinar lo fastuoso y el buen gusto,y las técnicas para ser un director de orquesta que alcance la naturalidad y la sorpresa de los clientes más exigentes del mundo, los novios.

 8. Carli Hermès (editorial Lannoo)

El propio fotógrafo danés Hermes se encarga de mostrar su trabajo tras 25 años de experiencia en el sector, descubriendo nuevas facetas publicitarias para marcas de alto nivel como Martini, Swatch, Levi’s, Nike, o BMW. Un manantial de inspiración acerca de los modos de combinar la fotografía artística y la venta de producto, que además incluye imágenes nunca antes vistas del archivo del autor. 

 9. Julia Margaret Cameron‘s ‘Fancy Subjects’: Photographic Allegories of Victorian Identity and Empire, por Jeff Rosen (editorial Manchester University Press)

Puede parecer una reliquia del pasado, pero Julia Margaret Cameron recreó escenas literarias, alegóricas y bíblicas con sus modelos en la segunda mitad del siglo XIX, que guardan mucha relación con las fotografías de moda que optan por reproducir escenas de cuentos o ambientes ficticios y pretéritos. La reciente muestra de su obra en la Fundación Mapfre de Madrid certificó que la influencia de la fotógrafa victoriana continúa en nuestros días, aunque sea de forma velada,y sus etéreos retratos pueden servir de inspiración y aprendizaje para catálogos estacionales o de colección que recurren a la expresión visual de una historia para mostrar sus producto.

 10. Helmut Newton, por June Newton (editorial Taschen)

Para cerrar el recorrido, otro grande, otro indispensable. En todos los sentidos: el fotógrafo alemán Helmut Newton pertenece al Olimpo de la moda y el volumen SUMO que editó Taschen en 1999 pesaba 35 kilos y se convirtió en objeto de subastas para coleccionistas. La bibliografía disponible sobre el creador es muy variada incluso dentro del propio sello Taschen, pero quizá no haya herramienta de consulta más inspiradora que este volumen XL, de formato más asequible y lujosa apariencia. Newton convirtió la fotografía de moda en un acto de provocación y en altavoz sobre las revoluciones sociales y sexuales que sucedieron durante la década de 1970, cuando era uno de los puntales de la revista Vogue. Desde su muerte en 2004, la influencia de Newton no se ha disipado a la hora de fotografiar a la mujer y la moda, cargadas de referencias pictóricas, cinematográficas y folklóricas. Un estallido de vida, voyeurismo y color incluso en sus característicos retratos en blanco y negro.